Salutation à vous chez dessinateurs
Le dessin réaliste a toujours fait l’éloge du grand public et des débutants. C’est aussi mon sujet de prédilection, même si j’essaie de faire des dessins d’un style graphique différent en ce moment.
Tout d’abord, laissez-moi vous expliquer la différence entre le photoréalisme et le réalisme (ou du moins ma perception de ces deux concepts). Le photoréalisme, comme son nom l’indique, provient de références photographiques. Vous pouvez utiliser les plus belles images comme modèles pour vos dessins, mais cela ne remplace pas l’observation visuelle directe.
Dans la plupart des cas, il est judicieux de travailler à partir d’un modèle vivant pour accentuer un peu plus la puissance d’observation.
En fait, dessiner à travers la caméra sans pousser les connaissances théoriques au-delà de la méthode du cadrillage conduit souvent à un rendu ennuyeux et pleins de défaut. Même si une telle astuce peut satisfaire le grand public pendant quelques minutes, il est difficile de définir un style graphique propre et de se démarquer des autres artistes. Encore une fois, quel que soit le niveau de l’artiste, seule l’intention artistique peut le distinguer tant dans la forme que dans le contenu. C’est sa vision, ses idées et ses intentions que son travail façonne l’esprit des autres. Le style artistique n’est que le résultat, et non l’inverse.
Ajouter du réalisme à des dessins créatifs (et surtout imaginatifs) nécessite un niveau de connaissance relativement élevé de l’anatomie, des valeurs, de la lumière et des ombres, du corps humain, de la perspective etc. La bonne nouvelle est que grâce à l’observation, la réflexion, une pratique intelligente et systématique, vous pouvez comprendre comment la lumière interagit avec les matériaux et finalement recréer les tons de vos dessins à partir de zéro. Ou encore mieux : Manipuler les valeurs du dessin pour créer une composition personnelle harmonieuse, faciliter la lecture de l’image et fournir une histoire.
Les préjugés du réalisme
Les gens et surtout les débutant se disent. le réalisme vient d’un tas de détails. En réalité, il n’y a rien de pire que ça. Voici un exemple très simple à expérimenter. Je suis coincé dans une pièce sombre avec peu de lumière ambiante. Ce n’est pas totalement sombre. Vous pouvez comprendre la forme floue d’un objet sans regarder les détails de la surface, mais la scène semble toujours réelle. C’est la même chose avec le dessin et le dessin.
Voilà ce que vous devez savoir du réalisme:
Ce n’est pas parce que vous passez 20 heures à dessiner ou à peindre des détails que vous obtenez du réalisme. Au contraire, dans bien des cas, tout se décide dans les premières minutes. En gros, arrêtez de perdre du temps sur des bagatelles superficielles et concentrez-vous sur les premières étapes de la création. La façon dont vous utilisez la première heure est toujours plus importante. Le réalisme est compris comme venant des premières étapes du dessin, telles que les proportions, les valeurs, les silhouettes / bordures, les couleurs / le trait de contour.
Le maître peintre le plus célèbre est celui qui en dit beaucoup avec peu de détails. Je l’avoue, chaque trait ou coup de pinceau est mesuré et calculé. Lorsque nous peignons, il est préférable de prendre du recul, plutôt que de tracer désespérément des lignes qui ne sont pas importantes ou dénuées de sens.
La limite des valeurs
J’en parle dans ma formation « j’apprends à dessiner les valeurs ». Lors de l’invention ou de la modification d’une composition existante, il est très intéressant de découper la scène en deux valeurs, par exemple Caravaggio. Cela permet de clarifier et de visualiser rapidement la scène, non seulement pour commencer à expliquer ou à suggérer des éléments par le jeu de l’ombre et de la lumière, mais aussi pour changer la lecture. Cette technique de modélisation « clair-obscur » est un moyen rapide et efficace de manipuler la lumière et la composition rapidement et efficacement. Voici un exemple de prototype de photodégradation tiré d’une peinture existante.
Une fois les ombres et la lumière sont bien définies, et la majorité des décisions essentielles prises , on peut alors , et alors seulement , passer à une version plus détaillée .
Gardez à l’esprit qu’une fois que vous avez terminé une vignette avec deux valeurs, vous pouvez passer à trois puis à cinq si vous souhaitez ajouter du réalisme. En ajoutant les valeurs, vous vous entraînez à les comprendre et à les manipuler librement et à prendre les bonnes décisions pour un dessin réaliste.
Malheureusement, une erreur courante des dessinateurs inexpérimentés est d’essayer d’ajouter trop de valeurs en premier lieu sans prendre le temps de segmenter la lumière et l’ombre pour établir la hiérarchie des tons. Établir la bonne hiérarchie des valeurs vous aidera à comprendre ce que vous faites avec la lumière tout en la simplifiant. Il est très facile de se perdre si vous ne savez pas comment planifier et prendre les bonnes décisions, comme la bonne séparation de la lumière et de l’ombre, avant de continuer.
Si vous voulez pratiquer avec un exemple simple d’une manière quelque peu académique, apprenez à observer un plâtre.
La “compression” des valeurs
« Compresser » une plage de valeurs signifie réduire l’importance des valeurs d’une plage pour continuer à mettre l’accent sur d’autres valeurs (par exemple, les tons clairs sont plus importants que les foncés). Selon les applications, cette initiative met l’accent sur les effets de profondeur, de recul ou met en avant les valeurs claires.
Il existe trois groupes principaux de valeurs : les valeurs sombres, les valeurs moyennes et les valeurs claires. Retenez que sombre ne signifie pas nécessairement « noir », mais « la partie la plus sombre de l’image ». Il en va de même pour les zones claires de la photo.
Une erreur classique est de dégager clairement l’ombre sur ses feuilles et sa toile blanche. En fait, dans ces conditions, il n’ya pas de place pour la valeur moyenne et une valeur claire.
C’est préférable d’assombrir l’ombre au lieu de limiter les valeurs d’ombre avec une valeur moyenne.
Je veux toujours faire des liens avec des photographies qui m’aident à comprendre ces concepts de la hiérarchie des valeurs. Lors de l’exposition d’une photo avec des valeurs moyennes, il y a moins de place pour les détails des valeurs sombres et claires, en fonction du contraste de la scène. En cas de surexposition, la valeur de lumière est compressée et les détails des ombres sont affichés. En cas de sous-exposition, les valeurs dans les zones sombres sont plus sombres et vous pouvez voir les détails dans les zones claires.
La façon dont vous priorisez les valeurs dépend entièrement de la nature de la scène et de son importance pour un élément particulier. Dans la plupart des cas, c’est une bonne idée d’étendre les détails et de suggérer le reste. Dans de nombreux cas, c’est le contraste qui accentue une partie de l’image, et la création de ce contraste nécessite un certain degré de liberté dans la hiérarchie.
Pourquoi développez-vous des domaines qui n’en ont pas besoin ?
Cela se produit souvent lorsque notre esprit est en mode « pilote automatique ». Pour cette raison, c’est une bonne idée de mettre le modèle de côté lorsque vous travaillez avec la version finale. Cela permet de gagner du temps et de travailler efficacement, quel que soit le projet ou le support utilisé. Les maquettes sont des plans, sans lesquels vous risquez davantage de vous perdre et d’échouer dans le rendu final. Notez que dans la plupart des cas il est plus intéressant de commencer par tracer les valeurs les plus sombres du dessin puis d’esquisser ces aplats avec une valeur moyenne. Faire une forme générale de l’ombre. Cependant, cette procédure n’empêche pas les ombres de devenir plus fortes plus tard. Surtout si vous utilisez une technique de superposition des valeurs.
Avec un crayon sur du papier blanc, il est conseillé de trouver la valeur la plus sombre, puis la valeur moyenne de la surface éclairée, selon le cas et le support. Lorsque vous utilisez des outils numériques, profitez de l’occasion pour rendre des zones planes nettes et précises avant de discuter des détails des transitions.
J’ai d’ailleurs réalisé une série de vidéo sur le processus des valeurs
Une autre solution pour trouver rapidement la hiérarchie des valeurs est de commencer par les extrêmes et de gérer les nuances. Cette méthode est surtout intéressante pour éviter de rester dans les valeurs montrées par les photographies et la réalité. Ce sont les relations entre les valeurs qui comptent, pas les valeurs qu’elles utilisent (cette relativité s’applique également aux couleurs).
Après tout, le plus dur est de s’entraîner et de rester dans le cadre que l’on s’est fixé au départ. Par exemple, vous pouvez tout rendre avec un crayon HB, mais vous devez accepter de compresser certaines valeurs et de ne pas utiliser de valeurs de contraste fort (noir et blanc). Certains crayons ne le permettent pas de toute façon. Je soutiens ce point: pendant le processus, vous devez toujours comparer les valeurs les unes aux autres afin qu’elles aient l’air correctes et réalistes.
Erreur classique et récurrente
Qui a fait cette erreur en peignant ? Vous savez, cette tendance à trop éclaircir les valeurs les plus claires des ombres, comme dans cet exemple.
Voici quelques bons principes à garder en tête pour éviter cette erreur : Dans une scène avec une seule source de lumière, la partie la plus claire de la surface ombrée d’un objet ne peut jamais être plus claire que la partie la plus sombre de la surface ombrée du même objet.
Une autre erreur typique consiste à surestimer le contour et à ignorer la valeur. Eviter de trop marquer les contours, ils doivent se fondre aux valeurs.
Voir en globalité
Il est important de toujours garder à l’esprit l’ensemble du dessin. En fait, c’est la cohérence des valeurs qui détermine le réalisme de la scène. Notre cerveau est programmé pour trouver des anomalies dans la forme de l’univers. Malheureusement, notre cerveau se focalise rapidement sur les détails et souvent les résultats sont les mêmes. C’est-à-dire qu’il ne s’agit pas d’une hiérarchie complète, mais d’une accumulation chaotique de micro contraste.
Pour cette raison, il est également important de s’éloigner fréquemment de l’image. En travaillant par rapport à la référence, en louchant et en comparant fréquemment votre travail à la référence, vous n’avez pas à recommencer.
Les contours des objets
Autre élément de réalisme très important : les limites d’objets ! Avez-vous déjà entendu parler du « bord perdu » d’un tableau ? Regardez autour de vous. Si vous êtes à l’intérieur, notamment dans une pièce éclairée par une fenêtre orientée au nord, vous remarquerez que certains contours de l’objet se mélangent et disparaissent dans l’ombre. (Cela s’applique également à d’autres plages de valeurs).
En effet, en dessin réaliste, il n’est pas conseillé de tracer toutes les limites d’un objet, surtout lorsqu’il s’agit d’éléments non essentiels dans une composition. Ce principe de « bord perdu » est utilisé pour mettre en retrait des éléments dans les dessins. Inversement, vous pouvez facilement mettre en évidence un objet en dessinant les limites de l’objet.
Il existe deux manières de créer un « bord de recadrage »:
-Adoucir ou adoucir les bords.
-Contraster la bordure avec le fond.
La texture est également importante. Il est particulièrement important d’améliorer certains rapports d’échelle et d’aider à la direction de la lumière. La texture de surface qui apparaît dans la partie la plus sombre de la zone éclairée de l’objet (c’est-à-dire très proche du terminateur) et la façon dont les valeurs passent du clair au foncé sont les éléments de base pour exprimer le volume.
Notez que lorsque la surface d’un objet n’est plus perpendiculaire au spectateur, la texture de surface a tendance à disparaître.
Prenez le temps d’observer, ne vous attendez pas à ce que la même transition s’applique à tous les objets. La nature des transitions de valeur est essentielle pour donner l’illusion de la forme. Nous devons apprendre à les observer et à les distinguer. La patience et l’observation sont les clés du réalisme.
Tous les contours n’ont pas besoin d’être nets, mais au contraire, c’est un risque inutile et superficiel. Les détails ne créent pas de réalisme. Les informations dont l’esprit a besoin pour comprendre la scène sont minimes. De plus, trop d’informations rendent souvent les photos moins artistiques.
La puissance des couleurs
Les couleurs jouent aussi un rôle dans le dessin réaliste, même si les valeurs contribuent à plus de 80% au réalisme. Cependant, gardez-en un à l’esprit. Si la valeur est incorrecte, la teinte utilisée ne sauvera pas la création. Cela dit, les combinaisons de couleurs peuvent être suffisantes pour ajouter du réalisme à vos dessins. Cependant, notez que les couleurs sont plus saturées dans le milieu de gamme que dans les gammes lumineuses et sombres.
Si vous peignez sur votre ordinateur ou votre tablette et commencez à apprendre en niveaux de gris, gardez à l’esprit qu’il sera plus difficile d’obtenir une riche palette de couleurs à partir des valeurs extrêmes. Avant d’appliquer la teinte et la saturation, vous devez vous concentrer sur la valeur de gris.
La relation entre les couleurs, en particulier la température de couleur (chaud et froid), doit être cohérente. La première réflexion est de peindre des couleurs mortes (en particulier dans les tons de peau), donc la solution de couleur terne est très saturée et exagère la recherche réelle. Mon conseil : Quitte à travailler dans les couches inférieures, mieux vaut commencer par la couleur la plus foncée et finir par un gris coloré plutôt que les autres méthodes.
Voilà pour aujourd’hui
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